Exposition de la collection complète de L'ART EN ECRIT à la librairie Matarasso - Nice

Merci à Laure Matarasso de présenter dans sa merveilleuse librairie à Nice la collection complète de "L'art en écrit". C'est un événement majeur dont nous sommes très fiers. En effet cette collection n'a été montrée que deux fois, à la Galerie Jean Brolly et au Centre De Création Contemporaine de Tours. A partir du vendredi 25 octobre (17 h30) à la Librairie Galerie Laure Matarasso. - jusqu'au 9 novembre. 46 Boulevard Risso, 06300 Nice Lancée en 1991, cette collection de 100 écrits d'artistes met en avant la parole des créateurs pour mieux comprendre les mystères et les diversités de l'art contemporain. C'est un panorama très vaste qui va de Ben vautier à Georg Baselitz, de Gilbert et George à Kounelis, en passant par DANIEL BUREN, Roland Topor, Jesús Rafael Soto, Christo, Barthélémy Toguo, etc ... Dans chaque livre est insérée une œuvre originale signée et numérotée (lithographie, gravure, sérigraphie, collage, pochoir ...).

Du Mardi au Vendredi
10h-12h/ 15h-19h
Le Samedi 10h/17h

15 avril 2019. Visions d'artistes

Tout le monde s’en occupe – les politiciens, la finance, les administrations culturelles, les médias, les architectes bien sûr. Notre-Dame de Paris, impressionnant brasier le 15 avril 2019, est en deuil, parée de ses bâches provisoires et encerclée de barrières de protection. Elle n’a pas perdu son âme, mais a été fracassée. Au chevet d’une vieille dame fragile que fait-on, quelle solution? De peur de se tromper, on tâtonne. Et c’est bien normal puisque l’enjeu est de taille. «Architecture grandiose, joyau mondial de la spiritualité, emblème de la France», disent les uns. «Much ado about nothing», disent les autres sur le ton de la moquerie shakespearienne et lassés par tant d’agitation. On fait quoi ? On demande aux artistes car il est urgent de solliciter celles et ceux qui sont les créateurs, les novateurs par définition en avance sur le temps et l’opinion. Ceux qui sortent du conformisme, du raisonnable, en proposant autre chose relevant de l’imaginaire ou de l’utopie. Ce sont les artistes publiés entre 1992 et 2017 dans la collection «L’art en écrit» que nous avons interrogés. Hormis la trentaine qui ne sont plus – Morellet, Opalka, Messagier, Soto, Kounellis, Saura, Topor… et d’autres au talent équivalent – hormis ceux ayant déclaré ne pas s’intéresser au sort de Notre-Dame, ou trop occupés, quarante-quatre d’entre eux livrent ici leur vision. Nous avons sous les yeux l’expression de ces artistes dont la contribution indispensable au débat public perturbe le rationnel et marque de son sceau une saine jubilation.

Format : 17 cm x 24 cm ISBN 978-2-37229-038-8 Prix : 18 euros

Les artistes participant au livre : • Fernando Arrabal • Gilles Barbier • Basserode • Larry Bell • Christian Bonnefoi • Erik Boulatov • Marie Chamant • Champion Métadier • Richard Deacon • Alain Declercq • Daniel Dezeuze • Hervé Di Rosa • Peter Downsbrough • Joël Ducorroy • Stephen Farthing • Alekos Fassianos • Gilbert & George • Loris Gréaud • Barbara Anna Husar • Fabrice Hyber • Matthieu Laurette • Jean Le Gac • Julio Le Parc • Claude Levêque • Antoni Miralda • Tania Mouraud • ORLAN • Jean-Luc Parant • Philippe Perrin • Joan Rabascall • Jean-Pierre Raynaud • Rudy Ricciotti • Claude Rutault • Benjamin Sabatier • Sarkis • Alain Séchas • Peter Stämpfli • Jeanne Susplugas • Thierry Tillier • Gérard Titus-Carmel • Yann Toma • Jacques Villeglé • Kees Visser • Christian Zeimert.

Français

Claude Rutault est un artiste français né en 1941 aux Trois-Moutiers (Vienne). Il vit et travaille à Vaucresson (92).
Son œuvre, qui a très tôt joui d’une reconnaissance internationale à travers de nombreuses expositions individuelles et collectives, constitue l’une des plus profondes révolutions qu’ait connues la peinture.
Plusieurs monographies lui ont été consacrées, notamment par les Editions Flammarion. Parmi les textes qu’il a écrits, les Editions Jannink ont publié en 1993 Marie-Louise.
En 2013, il a été nommé au grade d’officier de l’ordre des Arts et des Lettres.

Français

Né en 1965 au Vanuatu, Gilles Barbier arrive en France à vingt ans et met en place un travail qu’il définit comme fiction. Son parcours traverse des corps définis comme des clones, des espaces «médiagéniques» avec des super héros grabataires, mais aussi la « pornosphère »… Soucieux d’associer à sa recherche plastique la rigueur de son travail théorique, il alimente en textes et en outils de réflexion un flux continu de dessins, d’images.
Il a exposé au MMCA de Séoul, à la Friche de la Belle de Mai à Marseille, au Carré d'Art à Nîmes, à la Villa Arson de Nice et au MNAM de Paris. Il est actuellement représenté par la galerie Vallois.
En 2013, nous éditions dans la collection L'Art en écrit Vu d'en bas.

Français

Julio Le Parc (né en 1928 à Mendoza, Argentine, vit et travaille à Cachan) est l’un des plus importants artistes géométriques et cinétiques. Membre fondateur du GRAV, en 1960 à Paris, il travaille sur le mouvement, la lumière, l’optique, les rapports entre une œuvre et son spectateur. En 1966, il obtient le Grand Prix international de peinture de la Biennale de Venise et refuse, en 1972, une rétrospective au musée d’Art moderne de la ville de Paris. La même année, la Kunsthalle de Düsseldorf lui consacre une exposition personnelle. Il a depuis exposé de Cuba à Barcelone, de Rome à Saint-Petersbourg, passant par le Whitney Museum, le Smithsonian, le MOCA ou encore le Centre Pompidou-Metz et le Palais de Tokyo. Il met aujourd’hui son travail sur le mouvement et ses célèbres arc-en-ciel au service de Naked, créant un nu pointilliste original reconnaissable entre tous.

English

Julio Le Parc (born 1928 in Mendoza, Argentina, lives and works in Cachan, France) is one of the most important geometrical and kinetic artists. Founding member of the GRAV, in 1960 in Paris, he works on movement, light, optical and connection between o work of art and its viewer. In 1966, he won the International Grand Prix for painting at the Venice Biennal and, in 1972, refused a retrospective at the Paris Museum of Modern Art. On the same year, the Düsseldorf Kunsthalle offers him a personal exhibition. Since then, he exposed from Cuba to Barcelona, from Roma to Saint-Petersburg, passing by the Whitney Museum, the Smithsonian, the MOCA or the Centre Pompidou-Metz and the Palais de Tokyo. Today, we can find his work on movement and his famous rainbows in his Naked, an original pointillist and easily identifiable nude.

Français

Johannes Strugalla, né en 1943 à Lueben, en Silésie – actuelle Pologne –, vit et travaille entre Mayence et Paris. Régulièrement exposé en Europe et aux États-Unis, on retrouve ses œuvres dans des collections prestigieuses, telles que celles du Victoria and Albert Museum, de l'université de Stanford, ou du Klingspor-Museum d'Offenbach. Son travail est en partie influencé par l'informel allemand et l’expressionnisme abstrait américain ce qui lui confère une grande force structurelle. C'est autour du dessin et du bois gravé que s'articule principalement son oeuvre dont le tissu formel abstrait laisse parfois entrevoir la figuration. Cofondateur de Despalles éditions, il est essentiellement connu pour ses livres d’artiste dans lesquels se tisse un lien étroit entre texte et image. Pour Naked, il a imaginé, en monochrome, un nu aussi vigoureux que tourmenté, à la fois graphique et poétique.

English

Johannes Strugalla, born in 1943 in Lueben, Silesia, – nowaday Poland –, lives and works between Mainz and Paris. His works are regularly displayed through Europe and the United States and can be found within prestigious collections such as those of the V&A Museum, the Stanford University or the Klingspor-Museum Offenbach. His work, partly influenced by German Informel and the American Abstract Expressionism, is of a huge structural strengh. It is mainly structured around drawing and engraved wood, and sometimes appears a kind of figuration through the formal abstraction. Co-founder of the publishing house Despalles editions, he is largely known for his artist's books in which he builts a close link between texts and images. For Naked, he imagines, a monochromic nude, as vigourous as tormented, graphic and lyrical at the same time.

Pierre Giquel

2017
576 pages, dos carré cousu collé sous jaquette américaine.
Coédition éditions jannink / École des beaux-arts de Nantes

Sélection compilant 175 textes de l'écrivain, critique d'art et professeur à l'École des beaux-arts de Nantes, Pierre Giquel, Les Géographies irrégulières rendent compte pour la première fois de presque 35 ans d'une intense et foisonnante activité littéraire. Cette édition volumineuse comprend une jaquette dépliante recto-verso représentant deux aquarelles de Fabrice Hyber. Contributions de Fabrice Reymond et Pierre-Jean Galdin.

Format : 17 cm x 24 cm
ISBN 978-2-37229-033-3
Prix : 27 euros

“As he is the author of a production characterize by its multiple collaborations with artists, Pierre Giquel's words can nowadays be found within numerous plastic, acoustic or choregraphic works of art. He also wrote numerous texts for artists' monographs.
Built without any hierrachy of genres, this 600 pages book, in which the names of 125 artists are present, shows the mobile and singular nature of his position.
Organized in nine chapters which tittles are at the same time thematics and motives , the texts follow the thread of a writing which never stops, more as a journey than as an anthology. The term of irregularity is to be understood in its musical sense, as an idea of the intermittence of activity, because it is here placed in comparison to a kind of said as "scientific" criticism, for an art observer who defines himself not without mischief as "an accompanist, even mystic, more than a frozen analyst". Pretext to a focal which cultivates insolence and outspokenness, claiming for variety and a taste for eclecticsm, Les Géographies irrégulières draw the story of a point of view.
This publication is the result of a long and generous mentoring with artists, for this figure who took part in the creation of the review Interlope, la curieuse in the early 1990's and who merrily jumped from the Art Press columns to those of Ouest France, suiting both his moods and the seasons. He Pierre Giquel is known for having embodied an uninterrupted and particular relation, which he never stopped to forge, especially in Nantes where he has been teacher at the school of Fine Arts, between students and artists. He willingly admits that "mocking is a weapon against time and its moroseness" or that "living the art, it is just as embodied its windings and jumpings". He is as well an actor than a witness.
His Géographies irrégulières also redraw the path of a quill and style which were draw up over time. As conniving echos, the book opens itself with preambles by Fabrice Reymond and Pierre-Jean Galdin who evoke, from the first pages, the measure of the attitude. An other echo: the american dust cover with two Fabrice Hyber's watercolors forming a biographical landscape.
As a warning, a few years ago, the writer wrote, in an article for the regional press, a sentence which straightaway gives the tone: "I don't speak to those strangled by enthusiasm".
A lay down challenge for the reader, as a solar signature, a dedication.”
Frédéric Emprou, publication manager

Christian Globensky

2017
96 pages, dos carré collé

Livre d’artiste semblant, au premier abord, destiné à une collection « développement personnel » mais embrassant un champ allant de la philosophie comparée à l’esthétique, il se donne pour but de réécrire l’expérience du phénomène esthétique chez Nietzsche.

Format : 12,5 cm x 20 cm
ISBN 978-2-37229-035-7
Prix : 14 euros

If many books tried to demonstrate that the proper to art and philosophy methods are, by far, the more efficient to make of the all life aspects a complete success, this one is getting to the bottom of things, far away from the simple notion of success. This book offers you, no more, no less, to implement the ultimate experience of a whole life, becoming a benefactor for the humanity, a Bouddha– but, of course, according to Nietzsche. The experience of Wakening to Superhuman is here presented as an aesthetics phenomenom. That is how we progress, with Bouddha and Nietzsche, on the path leading to release. All that is shown to see and hear in this book, will be for everybody, without never widening the gap between the physical action of reading and the joy bringing to our senses by the beauty of the intellectual utterances.